Astérix & Obélix : Mission Cléopâtre (1h47, 2002) de Alain Chabat

Avec Gérard Depardieu, Christian Clavier, Jamel Debbouze, Monica Bellucci, Monica Bellucci, Claude Rich, Gérard Darmon, Edouard Baer, Dieudonné, Mouss Diouf, Marina Foïs, Bernard Farcy, Jean Benguigui, Michel Crémadès, Jean-Paul Rouve, Edouard Montoute, Noémie Lenoir, Chantal Lauby.

Astérix et Obélix sont des personnages secondaires et le lien avec la bande dessinée est ténue. Ils ne sont d'ailleurs que peu présents à l'écran. Le star étant plus Jamel Debbouze dans le rôle de l'architecte à qui Cléopatre (Monica Bellucci, parfaite) ordonne la construction d'un palais et d'une pyramide pour impressionner César (Alan Chabat dans un rôle de débile).

Jamel Debbouze fait son show, et cela fonctionne. Gérard Darmon est bon en méchant. Leur affrontement en mode kung-fu pastichant Bruce Lee est très sympathique. Mais nous sommes très loin de celle de Jim Carrey et les frères Farrelly dans Dumb and Dumber (1994).

Dans son ensemble, au delà de certaines scènes et gags pris individuellement, le film reste poussif et manque cruellement de dynamique. Toutes les scènes où apparaissent Astérix et Obélix pourraient être retirées, cela ne changerait rien et réduirait la durée du métrage.

Chernobyl Under Fire (2h16 2021) de Danila Kozlovskiy

Avec Danila Kozlovskiy, Oksana Akinshina, Filipp Avdeev, Ravshana Kurkova, Nikolay Kozak, Igor Chernevich, Artur Beschastnyy, Nikolay Samsonov, Anton Shwartz.

Ce Chernobyl se concentre sur les pompiers qui sont intervenus pour éteindre le premier incendie juste après l'explosion du réacteur. Pour susciter l'empathie, le scénario se concentre sur un de ces pompiers, qui retrouve son ancienne amante à Chernobyl et qui se rend compte qu'elle a un enfant, dont il est probablement le père. Cela occupe un long prologue, bien interprété, sympathique. Ensuite il y a les séquences spectaculaires liées à l'intervention vers la centrale nucléaire après l'explosion.  Le scénario se concentre sur les deux personnages : le pompier, Danila Kozlovskiy, et sa fiancée Oksana Akinshina. Les acteurs sont bons et l'ensemble fonctionne, même si le film tarde à démarrer.

Le sujet est tellement fort qu'il n'est pas possible d'être insensible à certaines séquences. La séquence des trois pompiers dans l'eau pour arriver à ouvrir l'évacuation de l'eau est le grand moment du film, spectaculaire et avec une tension maximale bien sûr car ils descendent dans les sous-sol de la centrale, dans le noir et juste à la lumière de leur torche. Elle est bien faite et monte bien la tension avec régularité et est impressionante.

Finalement les 2h16 passent toutes seules, même si l'intrigue concernant le couple (notre pompier, son ex) nous ennuie franchement. Surtout que les scénaristes, pour être sûr de l'empathie, on mis le fils comme première victime de l'explosion et des radiations, ce qui donne lieu à aux séquences où le couple souhaite qu'il soit évacué, soigné, sachant qu'il n'est pas possible de soigner, évacuer tout le monde.

Seule Contre Tous (The Whistleblower, 1h52, 2010) de Larysa Kondracki

Avec Rachel Weisz, Vanessa Redgrave, Monica Bellucci, David Strathairn, Nikolaj Lie Kaas, Roxana Condurache, Paula Schramm, Alexandru Potocean, William Hope, Rayisa Kondracki.

Rachel Weisz est une policière qui part en volontariat pour une mission de maintien de la paix en Bosnie. Où elle va découvrir des choses illégales qui vont être difficiles à enquêter, à instruire, car corruption sévit de partout. Rachel Weisz est une lanceuse d'alerte, mais que personne ne veut prendre en compte. Elle devra affronter ses collègues, la police locale, sa hiérarchie, les différentes mafias, entre autres et seule contre tous.

Le film montre aussi les atavismes dans cette Bosnie : misogynie, patriarcat, racisme, haines interculturelles. Le film dose bien l'ensemble des composantes. Enquête, corruptions, vie locale, vie d'une organisation transnationale, la loi, à qui elle s'applique et les impunités.

Rachel Weisz incarne le personnage avec force et vigueur, comme à chaque fois. Elle porte le film sur ses épaules.

Cash (1h35, 2023) de Jérémie Rozan

Avec Raphaël Quenard, Igor Gotesman, Agathe Rousselle, Antoine Gouy, Youssef Hajdi, Grégoire Colin, Nina Meurisse, Bruno Lochet, Laure Sirieix, Stéphan Wojtowicz, Nicolas Martinez, Slimane Dazi.

Superbe distribution pour une un film où des employés qui gèrent un entrepôt détournent à leur profit une partie de la production. La bande est pilotée par Raphael Quenard. Ils commencent petits puis l'équipe grandit. Le tout dans un contexte ou l'usine va être vendu. Ce qui permet au film d'adresser la vie en usine, l'organisation de l'usine, entre le patron, le responsable des ressources humaines, le chef d'équipe.

La première qualité du film est que bien que nous devinons peu ou prou ce qui peut se passer, la progression est simple et régulière, maintenant l'intérêt du spectateur, contenant ce qu'il faut d'ellipse pour produire ce qu'il faut de suprises, bien placées. Le scénario ménage et mélange bien les deux progressions dramatiques : l'équipe de Raphaël Quenard d'un côté, et l'intrigue du côté du patron, intrigues qui vont bien sûr se rejoindre. 

À noter que la voix off, du personnage de Raphaël Quenard fonctionne parfaitement bien et n'alourdit pas la narration.

Une autre qualité est sa superbe distribution, Raphaël Quenard en tête, mais aussi Agathe Rousselle, Brunot Lochet, Stephan Wojtowicz, par exemple. Tous parfaits.

Tout De Suite Maintenant (1h38, 2016) de Pascal Bonitzer

Avec Agathe Bonitzer, Vincent Lacoste, Lambert Wilson, Isabelle Huppert, Jean-Pierre Bacri, Julia Faure, Pascal Greggory, Virgil Vernier, Yannick Renier, François Baldassare, Vincent Collin.

Voilà un film qui enchaîne les clichés comme des perles. En parlant d'un milieu que les auteurs ne connaissent pas. Nous sentons que les auteurs cherchent à dénoncer quelque chose. Mais nous sentons aussi que les auteurs ne connaissent pas ce dont ils parlent. Ce qui a priori n'est pas rédhibitoire. Il n'est pas besoin d'être une poule pour sentir un œuf pourri.

À cette dimension dénuée de tout réalisme s'ajoute un ensemble de personnages qui ne suscitent par d'empathie. À la limite s'ils souffraient plus et mouraient tous ce serait satisfaisant. Nous nous moquons de leurs turpitudes personnelles ou professionnelles, sentimentales ou existentielles. Bien sûr la distribution est impressionnante, entre jeunes acteurs en vogue, vieux acteurs solides ou ringards, la distribution est très solide. Le type casting fonctionne à fond : Jean-Pierre Bacri, est encore sur le même personnage, pénible ; Vincent Lacoste se caricature ; Pascal Greggory se plagie lui-même.

Mais ce film est intéressant sur le plan historique, comme instance d'une idée de cinéma avec des prétentions mais vide de sens car dénué de lien avec la réalité.

Tais toi ! (1h25, 2003) de Francis Veber

Avec Gérard Depardieu, Jean Reno,  Richard Berry, André Dussollier,  Jean-Pierre Malo, Jean-Michel Noire, Laurent Gamelon, Aurélien Recoing, Vincent Moscato, Ticky Holgado,  Michel Aumont, Leonor Varela.

La nouvelle vision de film de Francis Veber est très positive. Et beaucoup meux que le souvenir que nous en avions.

Gérard Depardieu est crédible et génial dans ce personnage de Quentin de Montargis, esprit simple qui cherche un ami. Francis Veber refait le scénario de L'emmerdeur (Edouard Molinaro, 1973) qu'il avait écrit. En variant les paramètres. Jean Réno est toujours un tueur, qui cherche à se venger. Gérard Depardieu n'est pas dépressif comme Jacques Brel, mais très con, comme le dit André Dussollier, son psychiatre en prison. Et il s'amourache de Jean Réno, qui va le trainer comme un boulet, mais qui l'aidera finalement à atteindre son but.

Séquences d'anthologie (les rencontres de Gérard Depardieu avec ses codétenus au début du film), rythme, brio de l'interprétation (Gérard Depardieu est génial dans ses interactions avec Jean Réno),  le film est jubilatoire. Mais il s'agit quand même d'une vision de l'humanité assez misanthropique : des tueurs, un simple d'esprit, une migrante, une femme tuée, un alcoolique - Ticky Holgado -, un hôpital psychiatrique avec un psychiatre comme malade - Michel Aumont -. Seuls les flics sont peut-être des humains normaux dans ce film.

Les Tuche 2 - Le Rêve Américain (1h34, 2016) de Olivier Baroux

Avec Jean-Paul Rouve, Isabelle Nanty, Claire Nadeau, Sarah Stern, Pierre Lottin, Théo Fernandez, Ken Samuels, Susan Almgren, Richard Robitaille, Christian de la Cortina.

Le crétins sont toujours de la bonne matière pour un film, comique de prime abord. Ici ils sont mis dans un environnement à priori improbable. Les USA avec le midwest, puis la Californie. Le film aborde quelque thèmes à la mode, comme le mariage homosexuel. Et aussi des thèmes universels que la franchise Tuche véhicule : le sentiment et la solidarité familiale, des parents vers les enfants, vers les ainés (avec ici le personnage de la grand-mère) ; il y a aussi l'ouverture d'esprit de la cellule familiale. Le film se permet des pastiches, ici sur la chirurgie esthétique.

Ces Tuche possède donc un capital sympathie. Ils adorent La Petite Maison Dans La Prairie. Ils sont mine de rien ouvert d'esprit. Et le film recèle un certains nombre de perles : les interventions de Claire Nadeau, les dialogues de Pierre Lottin, et bien sûr Jean-Paul Rouve et Isabelle Nanty qui sont à la fête, avec la psychologie particulière du père de famille. Ces Tuche sont une délicieuse antidote à une certaine bien-pensance. 

Il y a aussi leur encontre avec la famille californienne, qui est traitée de manière intéressante, mais qui aurait pu être plus développée ; cela ne peut pas marcher pour le fils car cela viole les règles de la famille Tuche. A noter que le film montre que l'argent à des qualités et peut mettre au pouvoir n'importe qui, et comme si le fait d'avoir de l'argent donnait du talent... Nous laissons à chacun la liberté d'imaginer à qui cela peut s'appliquer.

Il faut reconnaître que le travail d'écriture est important, réussit, que ce soit sur le film dramatique principal, ou au sein de chaque scène. Cinq scénaristes sont crédités : il y a eu un gros travail de conception de chaque séquence pour imaginer ses éléments comiques.

 

Alad'2 (1h38, 2018) de Lionel Steketee

Avec Kev Adams, Jamel Debbouze, Vanessa Guide, Eric Judor, Ramzy Bedia, Noémie Lenoir, Wahid Bouzidi, Isabelle Nanty, Gérard Depardieu, Jean-Paul Rouve.

Cette suite au film d'Arthur Benzaken (Les nouvelles aventures d'Aladin, 2015) est ratée. Elle manque d'ampleur visuelle. Ici la mise en scène est pensée pour la tablette ou l'ordiphone et pas pour la salle de cinéma. Les plans sont plus rapprochés, les personnages sont moins pensés dans le cadre. Ce film-là fait plus penser à des séquences de spectacles de télévision ou de court métrage pour clip vidéos sur internet.

Le scénario (toujours Daive Cohen crédité) manipule moins de personnages que le premier de série et ne semble construit que comme prétexte à des performances de Jamel Debbouze. Jamel Bebbouze est beaucoup trop présent et son personnage déséquilibre le film : Aladin est devenu un personnage secondaire, voire un figurant. Jamel Debbouze fait son show, très bien, mais ne sert pas le film. D'ailleurs, chaque séquence prise individuellement est sympathique, voire efficace sur le plan comique, mais agrégées elles ne donnent pas à l'ensemble une cohérence de démarche, une sensation de tout. Un exemple : le gag du voyage dans l'espace et le temps où ils croisent Christophe Colomb, est une bonne idée, mais sans intérêt pour l'ensemble du film. Il y a beaucoup de bonnes idées prises individuellement, mais il n'y a pas de direction artistique de l'ensemble.

 

Les Nouvelles Aventures D'Aladin (1h47, 2023) de Arthur Benzaquen

Avec Kev Adams,  Jean-Paul Rouve,  Vanessa Guide, William Lebghil, Audrey Lamy, Arthur Benzaquen, Eric Judor, Michel Blanc, Ramzy Bedia, Nader Boussandel, Fatsah Bouyahmed, Laouni Mouhid.

Arthur Benzaquen et son équipe technique composent un film ample et spectaculaire, où chaque plan recèle une idée saugrenue sans qu'elle perturbe la ligne du scénario. Le film est abondant en personnages, qui sont bien écrits et bien campés. Jean-Paul Rouve, Vanessa Guide, Audrey Lamy, Eric Judor, Michel Blanc, Kev Adams, bref toute la ménagerie est parfaite. Sans oublier Arthur Benzaquen lui-même.

La séquence de la caverne avec les carrelages musicaux est une excellente idée et pastiche avec malice Indiana Jones. Les tapis volants sont parfaits, grâce au numérique. C'est rythmé. C'est spectaculaire. Et c'est amusant. C'est une réussite dans le genre.

Kev Adams est le héros insouciant et vénal. Jean-Paul Rouve en méchant qui sait qu'il est méchant. Vanessa Guide et Audrey Lamy composent des personnages qui apportent malice et rebondissements. L'ensemble de la distribution contribue de manière équilibrée aux pérégrinations d'Adalin Kev Adams, qui n'est pas le personnage le plus intéressant, mais heureusement, tous les autres personnages le sont, avec leurs humours et leur contribution à l'histoire.

 

L'humanité (2h21, 1999) de Bruno Dumont

Avec Emmanuel Schotté, Séverine Caneele, Philippe Tullier, Ghislain Ghesquère, Ginette Allègre, Darius, Arnaud Brejon de la Lavergnee, Daniel Petillon.

Que dire de ce chef d’œuvre, de ce monument ? Le meurtre d'une petite fille, un policier, un couple d'amis. Les acteurs sont des non-professionnels, avec leurs manières, leurs lenteurs, leurs hésitations. Et il y a un canevas d'enquête policière très distendue avec en arrière-plan la vie quotidienne de certains individus : l'ouvrière, son amant chauffeur de bus, le policier, la mère du policier, le chef du policier. Mais aussi les décors, les rues, la mer, qui constituent presque des personnages à part entière en étant des constitutifs impératifs de cette enquête. Le film contient beaucoup de paysages, regardés par les protagonistes, et surtout par notre policier enquêteur, amoureux caché de Séverine Caneele. C'est un autre canevas dramatique du film : Emmanuel Schotté est attiré par Séverine Caneele. Et enfin, notre policier est aussi attiré par les odeurs, par le toucher. D'où ces étonnants moments où il caresse ou sent des suspects.

Nous comprenons pourquoi David Cronenberg et son jury ont donné les palmes d'interprétation à Emmanuel Schotté et Séverine Caneele. Ils ont beau être des acteurs amateurs, leur performance est extraordinaire.

Les personnages marchent beaucoup chez Bruno Dumont. Ils marchent beaucoup, et ils attendent beaucoup aussi. Ils font penser à ceux de Takeshi Kitano, qui marchent aussi énormément dans ses films.

Bruno Dumont n'hésite pas à monter des sexes, c'est à dire des scènes de sexe, mais aussi un sexe, celui de son personnage féminin principal, ou de sa doublure doublure, peu importe. Ainsi que celui de la petite fille assassinée. Mais il n'hésite pas à montrer un personnage en suspension, scrutateur de l'horizon (la suspension est une figure qui revient régulièrement dans les films de Bruno Dumont).

Cette humanité, ces humains simples, dont les préoccupations sont peu nombreuses, travailler, se promener, attendre, sont les éléments fondamentaux du cinéma de Bruno Dumont. Il n'est pas besoin ici d'activité extraordinaire, de super-humains, de complots complexes, pour raconter une histoire, qui n'est pas simple elle, mais d'une densité étonnante grâce à ces acteurs.

 

Le Remède A L'Oubli (Znachor, Forgotten Love, 2h20, 2023) de Michal Gazda

Avec Leszek Lichota, Maria Kowalska, Ignacy Liss, Anna Szymanczyk, Izabela Kuna, Mikolaj Grabowski, Miroslaw Haniszewski, Artur Barcis, Jaroslaw Gruda, Malgorzata Mikolajczak.

Film en costumes, nous sommes au début du XXe siècle en Pologne, où un médecin réputé devient amnésique et se retrouve sans domicile fixe itinérant dans le pays, et qui aide les petites gens - il sait ce qu'il faut faire, mais ne sait pas pourquoi, il ne se rappelle pas qu'il est médecin -. Son passé reviendra progressivement à travers sa fille, et ses anciens collègues. Les deux scénaristes, Marcin Baczynski et Mariusz Kuczewski, ont réalisé du bon boulot à partir du roman de Tadeusz Dolega-Mostowicz.

Il est dur de critiquer un tel film : la forme est le standard Netflix, mais le film prend sa substance à travers ses personnages et ses acteurs et un scénario qui présente des éléments de lutte des classes. Car il soigne les pauvres, les paysans. Mais il est empêché de pratiquer. L'intrigue tourne autour de sa fille qui noue une relation avec un riche.

Nous retiendrons le personnage de Anna Szymanczyk, femme qui accueille le médecin amnésique dans son moulin, femme forte qui maîtrise son destin. Ainsi que Leszed Lichota, dans le rôle du médecin, qui est aussi mémorable même s'il sombre régulièrement dans le mélodrame peu subtil.

Le film se termine par un tribunal, car il est accusé de pratiquer la médecine sans autorisation. Nous ne divulgâcherons pas l'issue. Mais tous les arcs dramatiques convergeront vers le même point.

 

Le Coup Du Siècle (The Hustle, 1h33, 2019) de Chris Addison

Avec Anne Hathaway,  Rebel Wilson, Alex Sharp, Tim Blake Nelson, Timothy Simons, Douggie McMeekin.

Chris Addison vient de la série pour la télévision pour mettre en scène le scénario de Dale Launer, Stanley Shapiro et Paul Henning, retravaillé par Jac Schaeffer. Car il s'agit d'une adaptation du scénario du film Dirty Rotten Scoundrels mis en scène par Frank Oz en 1988. Adaptation où le duo de Steve Martin et Michael Cain est remplacé par Rebel Wilson et Anne Hathaway.

Le film emporte la mise grace à Rebel Wilson, mélange de vulgarité et de naïveté, d'audace et d'improvisation, dans un univers d'arnaqueurs où le duo constitué par Anne Hathaway et Rebel Wilson, arnaqueuses professionnelles, collectionne les gogos remplis d'argent, quelles cherchent bien sûr dans des lieux touristiques pour personne très riche. Le coté mode opératoire fonctionne très bien : la maîtresse, Anne Hathaway forme l’élève Rebel Wilson  sur la manière de faire cracher l'argent à des hommes. Puis par une pirouette elles se lancent un défi et s'affrontent en se focalisant sur la même victime. Pour ensuite être surprises dans un univers ou tout le monde ment à sa manière. Et où un pigeon se révèle de manière inattendue. L'énergie et la complémentarité du duo fonctionne parfaitement.

Chien De La Casse (1h33, 2023) de Jean-Baptiste Durand

Avec Anthony Bajon, Raphaël Quenard, Galatéa Bellugi, Dominique Reymond, Bernard Blancan, Nathan Le Graciet, Mélanie Martinez, Mike Reilles, Mathieu Amilien, Evelina Pitti.

Voici une belle surprise. Histoire d'amitié entre deux copains d'enfance, qui vivent de petits traffics. L'un est mutique et parle peu (Anthony Bajon), l'autre (Raphaël Quenard) est cultivé, parleur et occupe l'espace, et harcèle son copain d'enfance, qui est consentant. Jean-Baptiste Durand arrive à rendre ces personnages émouvants, en tout cas humains. Il ne les juge pas. Il montre à travers leurs comportement leur mal être plus profond.

Cette petite harmonie de duo de copain va évoluer suite à la rencontre d'une jeune femme dont l'un d'eux tombe amoureux. Et suite aussi à des histoires avec les fournisseurs de drogue.

Ce sont des personnages seuls. Nous les suivont dans leurs routines quotidiennes, entre les habitants du village, la mère de l'un, les copains, les fournisseurs pour le petit traffic qu'ils font.

Cela se déroule au soleil (région du Languedoc) mais se déroule de nuit ou alors la photo assombri par des choix de tons qui n'évoquent pas une région ensoleillée. Car il s'agit d'un drame, dont il est difficile de deviner la progression alors qu'il est facile de deviner les séquences qui suivent.

A noter aussi une bonne utilisation de la musique, peu présente compte tenu du choix de naturalisme, mais qui densifie les images.

Vers Un Avenir Radieux (Il sol dell'avvenire, 1h35, 2023) de Nanni Moretti

Avec Nanni Moretti, Margherita Buy, Silvio Orlando, Barbora Bobulov, Mathieu Amalric, Jerzy Stuhr, Zsolt Anger, Teco Celio, Francesco Brandi, Valerio Da Silva, Michele Eburnea.

La grande qualité du film est l'enchevêtrement de plusieurs arcs dramatiques : un réalisateur doit gérer son film et ses acteurs, mais aussi sa femme qui est productrice et son couple qui est en question, sa fille, qui présente son amant, le réalisateur du film que sa femme produit, film dans un style très différent du sien. Et enfin il doit gérer ses producteurs, dont le premier est  français, Mathieu Amalric, jusqu'à des coréens, en passant par la séquence hilarante des producteurs de Netflix.

Le réalisateur est bien sûr interprété par Nanni Moretti, de toutes les scènes. Ce qui peut être irritant, mais qui fonctionne car Nanni Moretti parsème son film de dérapages visuels : la balade en trottinette pour les repérages, les chorégraphies de danse où le film bascule subitement en comédie musicale.

Au total le film est un show Moretti autour de ses obsessions, avec le charme de l'imbrication de ces différentes histoires qui gravitent autour de lui. Ses thuriféraires seront en pâmoison, ceux qu'il énervent seront le seront à 100%.

 

Solo (1h23, 1970) de Jean-Pierre Mocky

Avec Jean-Pierre Mocky, Sylvie Bréal, Anne Deleuze, Denis Le Guillou, René-Jean Chauffard, Marcel Pérès, Éric Burnelli, Alain Fourès, Henri Poirier, Christian Duvaleix, Rudy Lenoir, Roger Lumont, Dominique Zardi.

Solo raisonne curieusement contemporain dans sa thématique. La traque de jeunes militants d'extrème gauche qui commettent des attentats contre la bourgeoisie financière et en collectif : ils massacrent littéralement une dizaine de personnes. Le film a été tourné peu de temps après 1968, mais cette thématique est encore vivace. Ils sont traqués par la police, et par Jean-Pierre Mocky lui même, parfait dans le personnage, et avec beaucoup de charisme (il avait proposé le rôle à Jean-Paul Belmondo et Alain Delon, qui ont refusé, il l'a donc fait lui même), qui est le frère de l'un d'eux, mais lui est voleur de bijoux de gens riches, plutôt que de tuer, il vole.

Jean-Pierre Mocky construit une histoire où il se retrouve à aider son jeune frère qui fait partie de ces militants. Le film contient des lignes de dialogues brillantes et qui sonnent très modernes, notamment pour toute les scènes entre Jean-Pierre Mocky et Anne Deleuze seule femme militante du groupe de terroristes.

Comme d'habitude Mocky construit une histoire où tout va très vite, sans plan inutile, sans seconde inutile où de multiples poursuite s’enchevêtrent : Jean-Pierre Mocky essai de retrouver son frère avant la police, Anne Deleuze essai de prévenir le groupe qui essai de se regrouper, pendant que la police progresse et se rapprochent d'eux. Tout ceci est parfaitement entremêlé par les scénaristes Jean-Pierre Mocky et Alain Moury.

Mad Heidi (1h32, 2022) de Johannes Hartmann et Sandro Klopstein

Avec  Alice Lucy, Max Rüdlinger, Casper Van Dien, David Schofield, Kel Matsena, Almar G. Sato, Pascal Ulli, Kaspar Weiss, Katja Kolm,  Rebecca Dyson-Smith.

Mad Heidi, le film, est un peu dingue. Appréhender un tel film est délicat. Tout est dans l'exagération. Mais les acteurs ne ménagent pas leur peine, pour servir une histoire délirante qui mélange hagiographie fromagère, dictature anti intolérance au lactose, dictature politique, zombies et gore, et éléments sexuels (d'une vulgarité franche).

Revoir Casper Van Dien, dans le rôle d'un dictateur de la Suisse est une bonne idée, et il a l'air de bien s'amuser.

Le rythme est malheureusement un peu mou. Le film est rempli d'idées, mais l'enchaînement est un peu poussif, voire appuyé. Dix minutes de moins, en coupant quelques secondes pour toutes les scènes, auraient bénéficié au film. Le film n'a pas bénéficié par contre de moyens importants, en particulier de tartine de CGI porn, ce qui fait que si l'on regarde dans le coin des images nous percevons cette absence de moyens : derrière la foule nous voyons très vite qu'il y a peu de monde par exemple. Mais c'est aussi ce qui donne son charme à cet exercice.

La déception vient aussi de l'affiche : Heidi devient folle et vengeresse à la fin du film. Nous imaginons qu'il y aura une suite. Mais le film aligne néanmoins depuis le début son lot de délires et ceci de manière continue. Il est clair qu'il y a une croyance de Johannes Hartmann et Sandro Klopstein dans une forme de spectacle où exagérations croisent clins d’œil historiques et films de genre.

L'Homme Qui A Vendu Sa Peau (1h44, 2020) de Kaouther Ben Hana

Avec Yahya Mahayni, Dea Liane, Koen De Bouw, Darina Al Joundi, Monica Bellucci, Christian Vadim, Wim Delvoye, Saad Lostan.

A travers sa conduite, son intrigue et le personnage principal, l'homme qui a vendu sa peau, le film évoque la création artistique et la précarité. Cet homme qui a vendu sa peau est interprété par Yahya Mahayni, qui est tout en subtilité. Nous comprenons ses motivations à travers ses comportements. Mais son personnage garde une part de mystère, ce qui maintient l'empathie et l'intérêt du spectateur. Il y des motivations très élémentaires : sauver sa peau d'immigré, retrouver un amour. Mais le personnages ajoute de petites touches qui font qu'il ne peut être réduit à ces deux motivations.

Le film pose une question intéressante à une époque où les tatouages sont généralisés. Ici, un artiste reconnu (Koen De Bouw, tout en ironie) tatoue le dos d'un immigrés syrien. Le tatouage est un passeport. L'oeuvre est le tatouage mais aussi la peau de l'individu tatoué. Il a un contrat où il doit se présenter à intervalle régulier à des expositions, où il est exposé lui même : il montre son dos. Puis il est vendu. Problématique de marchandisation de l'individu, qui peut être une métaphore pour d'autres problématique de marchandisation des corps. Un film subtile et riche de thèmes multiples.

Avatar 2 : La Voie De L'Eau (Avatar : The Way Of Water, 3h12, 2022) de James Cameron

Avec Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver,  Stephen Lang, Kate Winslet, Cliff Curtis, Joel David Moore, CCH Pounder, Edie Falco, Brendan Cowell, Jemaine Clement, Jamie Flatters, Britain Dalton,  Trinity Jo-Li Bliss, Jack Champion, Bailey Bass, Filip Geljo, Duane Evans Jr.

James Cameron est il toujours le réalisateur qu'il était? Il adore les dessins-animés. C'est un bel exemple de dessin animé ici. Ce n'est pas notre genre favoris. Il a composé un catalogue de clichés du dessin animé pour la famille, pour petits et grands. Il manque juste deux éléments, qui ne se trouvent pas en général dans les dessins animés pour la famille : la saleté et la sexualité. Le film évoque certains film passés de James Cameron : Abyss bien sûr, Titanic, voire Aliens. Le western est aussi convié avec l'attaque du train. Nous répondons par l'affirmative : c'est un film de James Cameron.

Le film est prévisible par un ensemble de déjà vu, de poncifs, de clichés, tel les perles d'un collier enfilées une à une. Les méchants ne sont pas très méchants. Et ils sont très prévisibles. Le scénario gère par contre parfaitement sa multitude de personnages. Ce n'est pas un film choral, mais c'est tout comme.

Il faut reconnaître que ce dessin animé est un beau livre d'images. Dénué de saletés, de crasse, mais abîmé par les humains. Il faut reconnaître que les images de baleines sont sublimes. Il faut reconnaître que le message écologique est sympathique.

Il est quelque fois difficile de reconnaître un personnage tellement ils se ressemblent, que ce soit pour ceux de la terre ou ceux sur la mer. Cela rend difficile la lisibilité de certaines scènes tellement il y a de personnages. Franchise oblige, James Cameron n'y est pas allé de main morte tellement il y a de personnages. Mais cela ouvre une multitudes de possible pour les suites. En fait il s'agit d'une série-cinéma (pour ne pas dire série télé) qui regroupe ici trois ou quatre épisodes.

Narappa (2h33, 2021) de Srikanth Addala

Avec  Venkatesh Daggubati, Priyamani, Rajeev Kanakala, Rakhi, Karthik Rathnam, Chaitra, Aadukalam Naren, Deepak Shetty, Shritej, Aravind, Ramaraju, Kadambari Kiran.

Voici un exemplaire du cinéma de Tollywood, film en telugu, dont le centre industriel est Hyderabad dans la région du Telangan.

Narappa est un père de famille qui se bat pour sauver sa terre, sa femme, ses enfants, ses sandales, sa dignité. Il est très résilient, jusqu'à ce que les méchants s'en prennent à ses enfants ou sa femme directement, et là il sort la serpe et se venge. Narappa est interprété par Venkatesh Daggubati, qui joue très bien le chien battu jusqu'à ce qu'il éclate en furie (où il est moins crédible).

Ici les protagonistes vont se battre à coup de haches et de serpes parce qu’un d'eux porte une paire de sandales (et cela ne plait pas aux méchants) ou pour faire justice soit même, car les autorités ne font pas régner la justice. Il y est surtout question de problème territorial : les méchants volent des terres aux pauvres ou sous humains. C'est une société avec des inférieurs, et des nantis défendus par la police. C'est aussi une société moyenâgeuse phallocratique où les femmes sont des objets inférieurs.

C'est un cinéma de narration, mais pas de concision : beaucoup de ralentis, beaucoup de voix off qui surchargent et racontent ce qu'il faut comprendre, beaucoup de dialogues pour que tout le monde comprenne bien. Beaucoup de flashbacks aussi, à vocation explicative encore. Pas de place à la folie ici, mais il faut toujours expliquer par l'injustice.

Decision To Leave (2h19, 2022) de Park Chan-wook

Avec Park Hae-il, Tang Wei, Lee Jung-hyun, Go Kyung-pyo, Shin-Young Kim, Jung Young Sook, Yoo Seung-mok, Teo Yoo, Jeong Min Park, Seo Hyun-woo.

Prix de la mise en scène au Festival de Cannes, mais surtout prix du scénario, car Park Chan-wook et sa scénariste Chung Seo-kyung nous ont concoctés une intrigue complexe, sans être tortueuse, qui se renouvelle régulièrement, sans permettre au spectateur de deviner ce qui va suivre. Jusqu'au final mémorable et d'anthologie, mais surtout d'une tristesse infinie.

L'intrigue est en suspension, portée par nos deux acteurs principaux, Park Hae-il et Tang Wei. Intrigue où un policier enquête sur la mort d'un mari, découvert par sa femme (Tang Wei), deux fois à deux ans d'intervalle : ses maris meurent donc. Le policier retrouve cette même femme pour chacune des enquêtes. Ce n'est pas divulgacher le film que d'indiquer cette information, car le film est dans la relation entre cette femme et le policier, relation directe ou indirecte, lui réalisant son travail en professionnel, elle intrigante ou pas, qui semble avoir des sujets en dehors de ses mariages, mais qui aussi perturbe notre policier.

Park Chan-wook emballe ce scénario avec une esthétique de téléfilm, ce qui rend le film encore plus impressionnant. Le style visuel est assez direct et nous parait peu expérimental. L'éclairage est plutôt fonctionnel visant à une clarté et une visibilité optimales, ce qui est compréhensible compte tenu de la richesse de l'intrigue. Le ratio image est par contre en 2:35.

Enquête policière et histoires d'amour découpées en de multiples scènes ou histoires pour constituer un puzzle qui agrège le tout. Au-delà de la richesse de son scénario, les interprétations toutes en subtilités de Park Hae-il et Tang Wei procurent une densité magnétique au film.